"Ser ou não ser, eis a questão: será mais nobre em nosso espírito sofrer pedras e setas com que a Fortuna, enfurecida, nos alveja, ou insurgir-nos contra um mar de provocações e em luta pôr-lhes fim?" - Hamlet
Tomar consciência de si e do próprio lugar no mundo, do vazio que tomou conta da nossa existência, não é tarefa simples e, certamente, gera grande parte da angústia que temos e as fugas que usamos para não lidarmos com essa questão. Tão antiga, que perturba desde Platão (e é, certamente, anterior à ele), o conheça-te a ti mesmo no desafia a olhar por detrás das nossas máscaras independentemente da dor que isso causa e, além disso, nos convida a empregarmos esse auto-conhecimento em atitudes condizentes com a realidade na qual queremos existir.
Num mundo de facebook, época de informação tão veloz, a dificuldade de significar as experiências e a falta de capacidade (muitas vezes medo) de mergulhar em si mesmo e se assumir como se é e não como dizem que devemos ser, nos torna escravo da chancela social. Aguardamos que o mundo aprove a nossa vida, dizendo se ela é ou não tão interessante quanto suspeitamos que ela seja, já que não temos mais capacidade ou coragem para comprovar por nós mesmo. Preferimos ser vigiados e julgados pelos outros do que aprender a sermos honestos conosco em momentos solitários que deveriam ser naturais e não sintomas de doença mental.
O drama do príncipe Hamlet pode ser mais contemporâneo do que parece. Reconhecer que "há algo de podre no reino da Dinamarca", utilizando as palavras do próprio Hamlet, é só o primeiro passo para uma grande e difícil obra de melhorias no reino interior de cada um de nós. Tal reflexão é um ato corajoso e necessário para o humano moderno que procura alternativas para libertar-se.
Então, aproveite mais esta ótima palestra de Leandro Karnal, feita para o Café Filosófico, da CPF Cultura. Num retrato do hoje, o reflexo do ontem. Zygmunt Bauman e Willian Shakespeare. Somos um Hamlet Liquido? Enfim, se há mais coisas no céu e na terra do que sonha nossa filosofia, então, mãos à obra!
Quanto nos custa sonhar? Qual o valor desses sonhos? Uma vida sem sonhos não deve ser fácil, a imagino árida. Krank, um velho rabugento e sem alma, criado por um cientista louco, sabe muito bem o que é uma vida sem sonho, pois ele não os tem. Ele, o próprio ladrão de sonhos, é que dá o título em português para o filme La Cité des Enfants Perdus, pois em desespero, tenta roubar os sonhos das crianças que sequestra para sua fortaleza isolada em alto mar. Mas só consegue pesadelos. Pobre Krank, desesperado, envelhece a cada sonho que não tem. E deve funcionar assim conosco também.
Mas essa não é a única referência à nossa psique existente nesse excelente filme, dirigido pela dupla J.P. Jeunet e Marc Caro e lançado em 1995. No mundo sombrio que eles criaram, cercados de água por todos os lados, desfilam personagens estranhos: aberrações de freak show com suas paranóias, guerreando entre si; um cérebro preso num aquário, dotado de sabedoria e enxaquecas, mas sem membros, depende dos outros para agir no mundo; uma trupe de clones que, juntos, não valem por uma pessoa sequer (como toda massa popular cheia de "iguais"); adultos infantilizados e/ou neuróticos; crianças sérias, com comportamentos bastante adultos; e até mesmo uma seita que prefere cegar-se ao ver os problemas do mundo e resolvê-los, aguardando algum messias que vá colocar tudo em ordem para, aí sim, eles voltarem a abrir os olhos e desfrutarem do paraíso. São todas caricaturas de nós mesmos, ou quem sabe, uma reprodução do caos interior de cada um de nós e de todos os elementos que o compõe. E não posso deixar de lembrar da figura da princesa anã, nada mais do que a imagem do amor artificial que, prisioneiro, escravizado e servil não cresceu, se deformou.
Com uma ambientação tão bonita, que conta, inclusive, com figurinos de Jean Paul Gaultier, uma cenografia tão importante quanto uma personagem da trama e um universo subjetivo complexo, atraente e rico – o que é bem comum no cinema de arte europeu – a busca do herói One e sua parceira Miette, por seu irmãozinho sequestrado pelo Ladrão de Sonhos é um mero detalhe, é só mais um dos elementos desse conto de fadas para adultos que conspiram para que, assim como aquele velho rabugento do Krank, nós também percebamos que sonhar é necessário para se viver e que até mesmo as aberrações têm esse direito.
O que mais se ouve hoje em dia é que o mundo está podre, ou melhor, a humanidade está podre. Afinal, o mundo, o planeta Terra, esse globo de rocha que nos abriga está como sempre esteve, forte, seguindo sua marcha e, certamente sobreviverá à nós. Enfim, fala-se muito dessa coisa podre e malcheirosa na qual nos tornamos, cancro altamente contagioso que nos levará à extinção por nossas próprias atitudes.
Por muito tempo me juntei ao coro dos descontentes e engrossei o vozerio dos que proclamam o fim da humanidade e sua causa mortis como "apodreceu". Hoje, discordo. É claro que nossas atitudes inconseqüentes podem nos extinguir sim, e disso não se duvida, afinal a lei de causa e efeito é universal, imutável e imprescritível, e a ela responderemos em todos os níveis de atuação, da mais íntima e pequena à maior e mais global. O que quero dizer é que discordo de que estejamos podres.
Se prestarmos atenção na natureza e em seus ritmos, podemos perceber que tudo no universo segue uma marcha natural desde o nascimento até a morte. É a famosa relação nascer-crescer-amadurecer-morrer. Ou seja, para todas as coisas, da escala subatômica mais ínfima até a imensidão cósmica, a marcha natural demanda, antes da morte e depois do nascimento, o amadurecimento. E não adianta espernear, nós não somos superiores às regras do Universo e jamais iremos controlá-las.
Prefiro, então, pensar nessa outra dinâmica e defender a idéia de que, pelo contrário, a humanidade não está podre e, sim, muito longe disso. Ela sequer atingiu a maturidade, e como é abundantemente observável e evidente em todos os setores do universo natural do qual fazemos parte, não há como apodrecer antes de se estar maduro. Além do que, só se apodrece depois que a vida acaba por completo, depois de morto, e nunca antes. O que é vivo não apodrece.
Penso, também, que a idéia da humanidade podre é perigosa, e nos remete ao tratar-nos feito lixo, que se descarta, abandona, enterra-se tudo bem fundo e deixa-se para trás, antes que o fedor aumente ou alguém pegue alguma doença. E sabendo de outra lei natural, bastante clara de que o que é morto não volta à vida, a humanidade podre já teria passado do ponto, já estaria morta, fedendo e inútil, não teria mais solução e só nos restaria abandoná-la. E abandonando a humanidade, abandonamos a nós mesmos e damos um impulso extra para o nosso próprio sofrimento através dos tempos.
Portanto, é essencial para a construção de uma nova e melhor realidade, entender que a humanidade não está podre, pois nunca esteve madura. É importante que entendamos e respeitemos o ciclo natural das coisas e alinhemos nossa dança ao ritmo universal. Isso nos faz ter uma nova postura, mais compreensiva e pró-humana, nos dá esperança, paciência e força para continuarmos a trabalhar continuamente, interna e externamente, para o bem.
Sempre que se fala em mudanças na humanidade, existe a impressão de que seja um trabalho coletivo, de mobilização global, que devemos sair por aí gritando, brigando e obrigando as pessoas a se comportarem de outras maneiras, de imediato. Agindo assim, inviabilizamos o trabalho pela simples impossibilidade de se mobilizar todo o mundo num único esforço, e isso, além de nos deixar cansados e desanimados antes do tempo, ajuda a criar conflitos que só dificultam ainda mais a coisa toda. O trabalho que se propõe é solitário, é profundo, cada um em si mesmo, pois os nossos valores íntimos e as nossas atitudes no mundo são a única coisa que cada um de nós tem o poder de mudar no universo. Ninguém jamais mudou, muda ou mudará o outro sem que esse aceite mudar por si mesmo, através de uma decisão própria e indelegável.
Enfim, se cada um cuidar exclusivamente de si antes de cuidar do vizinho (exceto, é claro, quando ele pedir por ajuda), nos melhoraremos dia-a-dia, auxiliando a marcha evolutiva natural à qual estão sujeitas todas as coisas do universo – o que inclui, por óbvio, a todos nós – rumo à tão desejada maturidade e, quando for o seu tempo, ao envelhecimento e à morte natural, em paz.
Domingo, dia 12 de Abril, assisti à premiere brasileira do documentário "What Happened, Miss Simone?", biográfico de Nina Simone, grande pianista, vocalista e compositora do Jazz e do Soul, um mito da música contemporânea, além de influente ativista dos Direitos Civís nos EUA. Extremamente emocionante, o documentário me ajudou a entender de onde vinha tanta força e complexidade nas músicas de Nina, que não estava ali só fazendo um número. Ela insistia em agir e dizer o que sentia, e toda essa vontade de se fazer entender ressoava com sua música, inclusive, em uma entrevista ela disse querer que o público saísse aos pedaços de suas apresentações, feridas, emocionadas. E é o que ela faz.
Aí entendi o motivo de haver dias impossíveis de ouvi-la, apesar da vontade. Não estou na mesma freqüência que as canções e todo o seu conteúdo emocional. Ainda bem que há dias em que as mesmas músicas me abraçam e me preenchem com os melhores dos sentimentos. Entendi a complexidade da vida que construiu a artista, e fatos concretos que inspiraram as suas canções, pude ver o por que de "The Other Woman" e "He Needs Me", minhas preferidas dentre tantas dela, soarem tão sinceras e emocionantes. É que ela está realmente sentindo e cantando o que está nas canções. É a vida ela, sinceramente apresentada em música. Nina Simone não era só artista, ela era a sua própria arte, ela dava a si mesmo, integralmente para o público. Deixou muitos sonhos de lado, sofreu muito por isso, enlouqueceu por isso, mas também é imortal por isso.
Uma cena marcante do documentário: depois de muitos anos em auto-exílio na Libéria, ela volta a tocar e se apresenta no Festival de Jazz de Montreaux de 1976. No palco, questiona o que todos estão falando sobre ela desde que voltou a tocar: de que Nina Simone já foi uma grande estrela e agora está decaída e essas coisas. Resolveu, então, que tocar uma música seria o jeito mais fácil de explicar o que ela pensa e sente sobre isso tudo e, após chamar atenção de uma garota na platéia, para que se sente (percebe-se aí a importância do momento para Nina), toca uma versão da música Stars, da Ian Janis, música com uma letra muito pertinente sobre as engrenagens do showbiz, da vida de artista e a relação que existe entre ele, o público e as expectativas que todos criam. Não pôde ser diferente, como sempre, dá pra perceber em detalhes como ela se sente sobre a sua vida, dá pra ver nos olhos dela, dá pra sentir na voz e em cada nota do piano, ainda mais com as adaptações que ela faz na letra, aproximando-a da sua história.
Foi um prazer realmente conhecê-la, Nina Simone. Ou se você preferir, Eunice Kathleen Waymon.
Aqui vai o vídeo. A letra [tentei escrever os improvisos dela, que estão em itálico], segue abaixo:
Stars, they come and go.
They come fast, they come slow.
They go like the last light of the sun,
All in a blaze.
And all you see is glory.
But it gets loney there,
When there's no one here to share.
We can shake it away,
If you hear a story.
People lust for fame,
Like athletes in a game.
They break their collarbones,
And come up swinging.
Some of them are crowned
Some of them are downed,
Some are lost and never found.
But most have seen it all.
They live their lifes in sad cafes and music halls.
And they always have a story.
Some make it when they're young,
Before the world has done it's dirty job.
And later on, someone will say,
"You've had your day, now you must make way."
[...] always.
But you'll never know the pain
Of using a name you never owned.
Or the years of forgetting
What you know too well.
That the you who gave the crown,
Have been let down.
You try to make amends without defending.
Perhaps pretending.
You never saw the eyes
Of young men of twenty-five,
That follow as you walked,
Ask for autographs,
Or kiss you on the cheek.
And you never could believe he really loved you. Never.
Some make it when they're old
Perhaps they have a soul they're not afraid to bare.
Perhaps there's nothing there
But anyway that isn't what a meant to say.
I'd tell you about a story, since we all have stories
I can't remember it anyway
So I'm telling about I moved within the United States
Today and permanently, even in Switzerland, it goes...
Independente da opção política, um bom estadista, um líder de verdade, deveria unir o Povo em torno de ideais comuns e guiá-lo através das dificuldades, sempre preservando a união e o sentimento de nação.
Me decepciona – apesar de saber que não deveria, já que isso não é nada novo – ver que o que temos é exatamente o oposto. Não se une para fortalecer e evoluir, mas divide-se para enfraquecer e dominar.
Fazia tempo que não olhava para uma resma de papel almaço, mas não existem muitas opções quando se fica quatro meses sem um computador. Pra alguns, mais jovens, até mesmo a palavra resma já parece sair de alguma filosofia hermética e antiga. E, pensando bem, até que faz sentido que pensem assim. Mas ela existe, e está aqui na minha frente, cheia de folhas brancas com linhas azuis me indicando o caminho a percorrer com minhas ideias e aguardando, imóvel e pacientemente, enquanto eu as formulo. À mão, preencho cada letra, folhas e folhas de trabalho hercúleo. Mas o resultado compensa e vai além da poética dessa forma tão solene de criação que é a analógica. E, graças à tecnologia de reciclagem do papel, nem é mais tão ecologicamente incorreta assim.
Pensei nos antigos. Eles sim que tinham um trabalhão! Um mesopotâmio, ao ter uma ideia, refletia antes se valia realmente a pena registrá-la, afinal, antes do registro, tinha que preparar a argila e colocá-la no molde. Mesmo se a ideia fosse ótima, durante o processo de preparação da placa e a gravação dos caracteres cuneiformes, dava tempo de meditar e aprimorar bem o que escreveria, sem espaço pra bobagem. Imagino que um caderno de páginas de pedra não deveria ser nada fácil de carregar, mas já era mais plausível e tranquilo do que carregar as paredes das cavernas.
Mesmo com a invenção do papiro, do pergaminho e, posteriormente do papel, ainda havia algum ritual de preparação. Apontava-se a pena, diluía-se a tinta, e tínhamos aí mais uma última chance de amadurecer a ideia antes de sair rabiscando o suporte que, passivo, apenas recebia a informação. Jazia ali, plácido e puro, aguardando que o mestre o gravasse, letra a letra, calmamente. Até mesmo com a máquina de escrever havia esse momento quebra-gelo e maturação da mensagem. Inseria-se o papel, ajustava-se a tabulação e margens, conferia-se se o papel estava horizontalmente alinhado e, só então, datilografava-se (atenção ao verbo, quase extinto), pressionando com cuidado e firmeza aquelas teclas pesadas, ritmada e atentamente, para que os tipos imprimissem bem o papel sem se enroscar, ou algum erro grave de grafia colocasse a página inteira em risco de ir pro lixo e ter que ser redatilografada (e temos aí um outro verbo quase extinto).
Enfim, temos novamente um computador nas mãos. Me estranho com o cursor que pisca insistentemente na tela, me desafiando. Por mais que eu digite, ele continua a piscar, a pedir mais, e mais, e mais palavras. Tento mostrar quem manda, quem dá o ritmo. Paro de escrever, levanto e vou fazer um café, tento criar um método pra nos deixar mais íntimos novamente, recuperar o respeito, aquela química de antes, tirar nossa relação dessa ansiedade juvenil, desse gozo precoce, que me parece epidêmico em todos os setores da vida. Tem sido uma boa luta de readaptação e, felizmente, posso dizer que estamos obtendo algum sucesso. E o café, no fim das contas, só tem servido pra atrapalhar minhas noites de sono.
Em 07 de Novembro de 2014, o álbum Meio Desligado completou 20 anos. É um álbum marcante na minha história pessoal por motivos tantos e impossíveis de enumerar. Por ser um registro sonoro que admiro em vários quesitos, resolvi revisar e reescrever essa publicação feita originalmente para o Culturanja de 18 de abril de 2008.
Sei que tenho que parar com essa mania de "microondas" requentador de textos, mas em tempos que me recupero de uma revolta tecnológica aqui em casa, não vi ponto negativo em ressugerir aos amigos a audição deste álbum enquanto preparo mais coisas inéditas para as próximas semanas.
Bruno Fortunato, George Israel e Paula Toller, o Kid Abelha.
“Kid Abelha, Lobão?!” Muitos me recriminarão, mas o álbum é bom sim e merece uma resenha.
A idéia deste álbum surgiu de um set de versões acústicas das músicas do primeiro disco do Kid Abelha, que a banda tocava nos Bis dos shows normais. Gostaram da idéia e começaram a acrescentar ao Bis outras canções que combinassem com esse formato. Registradas ao vivo, em shows realizados entre março e julho de 1994, nas cidades Curitiba, Belo Horizonte, Crisciúma, Concórdia, Venâncio Aires e Santa Bárbara. Depois acrescentaram alguns instrumentos e arranjos a mais em seu home-studio, o Som de Neguin’ (também chamado por eles de "casa").
O resultado final é surpreendente: nitidez e uniformidade nos sons dos instrumentos captados ao vivo e nos acrescentados posteriormente, em estúdio. O toque especial na sonoridade fica com a participação do público e o ambiente de show - preservados da captação ao vivo - o que cria a impressão de um show acústico completo e esquenta o disco feito um abraço carinhoso. Infelizmente, por ser resultado de diversos registros de áudio ao vivo e overdubs em estúdio, não foi possível preparar uma versão em vídeo deste álbum que, se existisse, estou certo de que seria uma beleza.
“Meio desligados, mas totalmente antenados” é como a banda, pertinentemente, se descreve no encarte do CD (que também foi o último álbum da banda a ser lançado em vinil), o Kid Abelha consegui a criar um clima aconchegante e sofisticado que pouca gente conseguiu fazer em um Acústico. As versões de Como Eu Quero, com a participação de Ritchie, de Solidão Que Nada, do Cazuza e Grand’ Hotel, esta com arranjos de cordas do mestre Wagner Tiso, ou até mesmo a simples e aconchegante Seu Espião, são realmente muito bonitas.
Com 600 mil copias vendidas, ganhando disco de ouro, de platina e o primeiro disco duplo de platina da banda, o Meio Desligado é um álbum muito bem feito. Bem arranjado; rico em instrumentação, com participações muito pertinentes, como Lulu Santos, Ritchie e até mesmo o Mutante Sérgio Dias, que toca uma Cítara na faixa de abertura Deus; o álbum possui versões muitas vezes mais interessantes às do Acústico MTV Kid Abelha de 2002, que atualmente é o Acústico MTV mais vendido da história do projeto, com 2 milhões de cópias vendidas, superando o ótimo Acústico dos Titãs, que vendeu 1,7 milhões de cópias.
Penso que a idéia do acústico é mostrar a real força de uma boa canção, aquela que funciona independente da forma que é apresentada, que tem força por si só, que tocada num violão solitário também é capaz de emocionar. Esse disco é a demonstração que as canções do Kid Abelha, em grade parte escritas pelo Leoni, um compositor de mão cheia, funcionam, sim, muito bem e em vários formatos.
Então, está aí a sugestão: deixe o preconceito de lado e ouça esse álbum com carinho.
